تاريخ نشأة فن الأزياء المسرحية

عند استكشاف تاريخ المسرح، يتضح أن أزياء المسرح بدأت في الظهور بالتزامن مع مسرحيات شكسبير. لقد كانت الأزياء تمثل عنصرًا بصريًا هامًا للغاية يساعد الجمهور في فهم تفاصيل الشخصية. ومع ذلك، تعود جذور تقاليد المسرح الغربي إلى الاحتفالات اليونانية التي ظهرت في القرن السادس قبل الميلاد لتكريم ديونيسوس، إله الطقوس الاحتفالية. تطورت هذه العروض إلى دراما منطوقة بفضل كٌتاب مسرحيين مثل ثيسبيس وأسخيلوس. ورغم أن الرومان أدخلوا تعديلاتهم الخاصة، إلا أن الأعراف التي وضعها الإغريق بشأن الأزياء المسرحية ظلت قيد الاستخدام حتى سقوط الإمبراطورية الرومانية.

الأزياء المسرحية في القرن السادس قبل الميلاد

تعتبر الأزياء المسرحية الكلاسيكية علامة بارزة منذ أن قام الشاعر اليوناني ثيسبيس بتطويرها في القرن السادس قبل الميلاد، لذا أُشير إليها باسم “أردية ثيسبيس”. كانت تقام مسابقات درامية سنويًا في أثينا، حيث كان الأثينيون يبذلون الكثير من المال لتحسين الإنتاج والأزياء. فيما بعد، ابتكر أسخيلوس زيًا تقليديًا خاصًا بالتراجيديا اليونانية، والذي كان مخصصًا للاستخدام المسرحي فقط.

الأزياء المسرحية في العصور الوسطى (القرن الخامس الميلادي – الخامس عشر الميلادي)

كانت ثياب الكنيسة تُستخدم كأزياء مسرحية، حيث أن المسرحيات في العصور الوسطى كانت تُعرض داخل الكنائس. وقد كانت هذه المسرحيات تعيد سرد أحداث حياة القديسين، وكان يؤدّيها في الأصل كل من رجال الدين والممثلين. تم العثور على سجل بالأزياء التي كانت الكنيسة تحتفظ بها، التي تضمنت مواد بسيطة وأردية وأغطية رأس. ورغم انتقال العروض إلى خارج الكنيسة في وقت لاحق، استمرت الملابس الكهنوتية كالأزياء الرئيسية.

الأزياء المسرحية منذ أوائل القرن الرابع عشر

شهد المسرح العلماني تطورًا ملحوظًا خلال عصر النهضة بدءًا من القرن الرابع عشر، حيث كانت تُعرض عروض مسرحية متنوعة ضمن الاحتفالات الملكية، مثل العروض الصامتة والتابلوهات. وتم استخدام أزياء مخصصة لمسرحيات الغموض والأخلاق. مع تراجع قوة الكنيسة والاتجاه إلى إحياء الفنون الكلاسيكية، استمد مصممو عصر النهضة إلهامهم من أساطير اليونان وروما.

الأزياء المسرحية منذ أوائل القرن السابع عشر

انضم مجموعة من المتخصصين إلى بلاط الملكين الفرنسيين لويس الثالث عشر ولويس الرابع عشر تحت إشراف جاكومو توريلي، الذي كان له دور بارز في مسرح الباروك. ساهمت هذه الفرق في تحسين أزياء المسرح، فيما عمل المصمم دانييل رابيل على إدخال عناصر جديدة، حيث أضاف لمسات مرحة وصمم أزياء مبتكرة تتناسب مع طبيعة العروض.

الأزياء المسرحية في القرنين الثامن عشر والتاسع عشر

يُمكن تلخيص السمات الرئيسية للأزياء المسرحية في القرنين الثامن عشر والتاسع عشر بما يلي:

• تعيين جان بابتيست مارتن مصممًا لأوبرا باريس في عام 1748، حيث قام بابتكار أشكال متنوعة من تصاميم الروكوكو للزي التقليدي للراقصين الذكور، مستفيدًا من الزخارف المستلهمة من الثقافات الأفريقية والصينية والمكسيكية.
• تصاميم خليفة مارتن، لويس رينيه بوكي، جسدت مظاهر الأناقة الفائقة التي كان يشهدها بلاط الملك لويس الخامس عشر في روكوكو، وكانت تصميماته ستصبح حساسة وباهتة الألوان مزينة بالأكاليل والزهور.
• رغم أن أوروبا كلها اتبعت الأفكار الفرنسية، فإن النسخ الإنجليزية والألمانية لم تكن تملك نفس الذوق الفطري الذي عُرف عن بوكي.

الأزياء المسرحية في القرن العشرين وما بعده

دعت نظريات مصمم المسرح السويسري أبيا والممثل والمصمم الإنجليزي إدوارد جوردون كريج إلى الرمزية، وتجنب إعادة إنتاج الخطوط التاريخية. عند تصميم الأزياء المسرحية، كانت الرسومات تشير في الكثير من الأحيان إلى أربعينيات القرن التاسع عشر، مع الحرص على تحديد تفاصيل دقيقة ومتسقة. لم يكن المصممون يسعون لإعادة تصميم الثوب التاريخي الأصلي، بل كانوا يحتفظون بتميزه الأساسي.

الأزياء المسرحية في اليابان

في القرنين الرابع عشر والخامس عشر

تكون التقاليد عنصرًا محوريًا في جميع جوانب الإنتاج المسرحي في اليابان. في أزياء مسرح نوح، تكشف التصميمات عن نوع الشخصية التي تمثلها، حيث تتداخل تفاصيل التصميم مثل الصورة الظلية ومجموعات الألوان ونوعية النسيج لتعطي إشارات عن شخصية الممثل.

في أوائل القرن السابع عشر

نشأت مسرحيات الكابوكي خلال فترة من القيود الحكومية. على الرغم من أن النصوص المسرحية كانت تضم شخصيات نبيلة كالساموراي، كانت هناك قيود تمنع تقليد أزيائهم. لذا، لجأت شركات الكابوكي إلى المبالغة في استخدام الألوان والخامات في الأزياء، مما أدى إلى أن صارت الأزياء المسرحية تتسم بالمبالغة بينما كانت تستند إلى الملابس الأصلي. ورغم زوال تلك القيود بحلول الزمن، ظل أسلوب الكابوكي يحتفظ بتقاليده منذ ذلك الحين.